10 Artistas Contemporâneos Da Austrália Para O Conhecimento
Fiona Hall
Uma das principais artistas contemporâneas da Austrália, a prática de Fiona Hall (n. 1953) incluiu muitas comissões e projetos públicos abrangendo uma ampla gama de mídias. , da fotografia à escultura e instalação, que cada vez mais se envolvem com temas de ecologia, história e os efeitos da globalização. Em 2012, Hall participou da dOCUMENTA (13), apresentando uma instalação intitulada Fall Prey (2012), que foi posteriormente exibida em sua grande exposição no Heide Museum of Modern Art em 2013.
Fiona Hall, Fall Prey / Shot Through , Condor californiano, DOCUMENTA 2012 (13) | © ACK / Flickrcommons
Juan Davila
Originalmente do Chile, Juan Davila (n. 1946, Santiago) emigrou para Melbourne na década de 1970, onde estabeleceu uma prática artística de sucesso, principalmente como pintor, mas também criando desenhos e instalação. A prática do artista é rica em referências a outros artistas, psicanálise e pornografia, além de política, religião, cultura pop e história. Apelidado pela National Gallery of Victoria como "um protagonista líder no desenvolvimento da pintura pós-conceitual", Davila desafia as noções hegemônicas de masculinidade, discursos históricos dominantes e mitos de identidade nacional.
Juan Davila, The Lamentation: A Votive Painting , 1994, na DOCUMENTA (12) 2007 | © Simpsonn Gill
Simryn Gill (nascido em 1959) trabalha em escultura, fotografia, desenho e escrita. O artista é um colecionador sistemático e, especialmente, de livros como objetos de reverência e disputa. A obra poética crítica de Gill altera objetos e sites mundanos, colecionando-os em séries enciclopédicas que, através da repetição e expansão de pequenos gestos, geram declarações retumbantes sobre uma variedade de questões relativas à nossa sociedade moderna e cultura, bem como referências a suas experiências de vida e memórias
Simryn Gill, escala ou Tasha e a árvore, 2005-2014 | Cortesia da artista e Tracy Williams, Ltd., Nova York
Bianca Hester
A artista multidisciplinar e colaborativa Bianca Hester (n. 1975) está interessada na noção de espaço e como nos envolvemos, encontramos e ocupamos. Seu trabalho explora a maneira pela qual o espaço é construído e os ritmos de múltiplas camadas dentro e através de vários sites, enquanto geram outros ritmos - na forma de movimentos, materialidades e ações - para abrir novas possibilidades de reconsiderar nossa interação. com espaço. Os trabalhos de Hester emergem de condições específicas que envolvem alterações, ações, construções, objetos, colaborações e vídeos.
Bianca Hester, um mundo totalmente acessível pelo ser vivo, 2011 | Cortesia do artista e Sarah Scout Presents, Ben Quilty
Ben Quilty (nascido em 1973) venceu o Prudential Eye Award em 2014 pela sua prática de pintura, caracterizada por um estilo característico e gestual e camadas espessas de tinta. Usando facas de paleta, ele mancha, borrifa, borra e bate a tinta na tela para criar figuras renderizadas em blocos de cores contrastantes. A obra de Quilty retrata a identidade australiana contemporânea e é informada por sua juventude como um personagem autodestrutivo da masculinidade australiana, marcada por drogas, álcool e imprudência - imagens de crânios, cobras, gêmeos siameses e outros elementos obscuros, escuros e misteriosos transparecem em sua vida. telas. Quilty também passou algum tempo em 2011 como um artista de guerra oficial no Afeganistão, uma experiência que serviu de inspiração para alguns de seus retratos de soldados, como o de
Sargento P. After Afeganistão
(2012) . A série de retratos de Rorschach foi criada usando uma técnica de pintura particular que cria um monoprint geométrico de tinta a óleo espessa pressionando uma tela pintada em um limpo. Inspirado pelos testes de mancha de tinta criados pelo psicólogo do século 19 e pioneiro da pesquisa em saúde mental, Hermann Rorschach, as pinturas criam uma nova linguagem visual. Ben Quilty, Sargento P. após Afeganistão, 2012, Óleo sobre linho, Coleção: QAGOMA , Queensland | Cortesia Jan Murphy Gallery, Queensland James Angus
Inspirado pela arquitetura, design e natureza, James Angus (n. 1970) desafia as normas tradicionais da escultura tocando com volume, escala e superfície. Sua obra varia de modesta a grande escala e revela um interesse por materiais e processos. As obras de Angus frequentemente reproduzem formas ou objetos existentes, enquanto alguns também manifestam distorção, como se estivessem sob estresse ou sujeitos a alguma força invisível. Suas três esculturas Inversão de ferro fundido vermelho (2012),
Compressão de tubos amarelos
(2012) e Nó de vigas laranjas (2012), apresentadas na 19ª Bienal de Sydney (2014), Desmonte os suportes estruturais do típico edifício modernista da grade - o tubo em forma de I, o tubo tubular e a placa de metal. Esses elementos são transformados em formas sinuosas, sensuais, com nó e arenoso, metamorfoseando o metal robusto em um material flexível. James Angus, John Deere Modelo D, 2013 | © Shelley Bernstein / Flickrcommons Patricia Piccinini
A artista multimídia Patricia Piccinini (n. 1965) trabalha com pintura, vídeo, som, instalação, estampas digitais e esculturas, e também comissões de colaboradores especializados de diversas áreas industriais contemporâneas. fabricação. Sua prática discute o impacto da tecnologia em nossas vidas e como as idéias contemporâneas da natureza, do natural e do artificial estão mudando nossa sociedade. Piccinini está especialmente preocupado com questões de bioengenharia e reprodução humana e suas implicações éticas e sociais. Ela é mais conhecida por suas detalhadas esculturas biomórficas de criaturas imaginárias. Essas estranhas distorções da natureza trazem uma visão visionária sobre o futuro da humanidade com experimentos em genética, hibridização, clonagem e outros cenários científicos.
Os veados
(2008), por exemplo, retrata duas lambretas como duas animais vivos, numa síntese da natureza e da tecnologia. Patricia Piccinini, A Família Jovem, 2005 | © adampadam / Flickr Callum Morton
Originalmente canadense, Callum Morton (n. 1965) trabalha com arquitetura, modernismo e o impacto emocional e social de espaços construídos, criando modelos de estilo arquitetônico com o auxílio de habilidades computacionais. Tomando edifícios familiares e formas da história da arquitetura e definindo-os contra seus propósitos originais, muitas vezes idealizados, Morton conta uma história oculta ou mais sombria. Ao transformar arquitetura e espaços, Morton elabora sobre a tendência global da estética para se adequar a um estilo internacional, geralmente encontrado na Europa e na América do Norte, que influencia as práticas regionais. Temas de destruição, decadência e representação visual são recorrentes em sua obra. Por exemplo, em
Silverscreen
(2006), esses tópicos são expressos através de uma série de esculturas inspiradas na tela de cinema ao ar livre. Morton também faz referência ao seu interesse na difusão do modernismo do Ocidente e à influência e difusão de suas formas culturais em todo o mundo. Callum Morton, Valhalla, 2007, Pavilhão da Austrália na Bienal de Veneza 2007 | Cortesia Anna Schwartz Galeria Julie Rrap
Julie Rrap (n. 1950) esteve envolvida com arte corporal e performance nos anos 1970 - um aspecto de sua prática que continuou a influenciar seu trabalho, que mudou para fotografia, pintura, escultura e vídeo. Sua obra esconde uma profunda preocupação com as formas como o corpo é representado, especialmente o corpo feminino na arte ocidental, e explora esse tema através de uma variedade de mídias que desafiam as convenções de forma e conteúdo. Através de suas interpretações visuais de corpos transformados, Rrap interroga os símbolos comuns da feminilidade, como em
Pisando para fora
, uma escultura dos pés de uma mulher cortada no tornozelo e crescendo os saltos stiletto carnudos. O artista aqui está insinuando a pressão que as mulheres enfrentam para modificar seus corpos para se adequarem a padrões impossíveis de beleza. Julie Rrap, Loaded: Green # 1, 2012 | Cortesia do artista e da galeria Roslyn Oxley9, Sydney Daniel Crooks
Trabalhando com vídeo digital, fotografia e instalação, Daniel Crooks (n. 1973) amplia e distorce a realidade como um meio de desafiar nossa percepção dela. Suas imagens complexas e transformadas de espaço e tempo infundem a ordinariedade de seus sujeitos com uma nova dimensão. A manipulação do tempo por Crooks dá a impressão de cruzar suas dimensões e limites. Em seus primeiros trabalhos, ele reuniu fatias finas de imagens em movimento para revelar a progressão da geometria temporal que refracta o tempo e estimula o ritmo e o movimento. Para o IPMIC, Crooks está trabalhando em uma comissão que será exibida na ACMI em 2016, que se relaciona com seu interesse de longa data no uso de câmeras de trens e como uma extensão delas - na história das imagens em movimento. Em particular, o artista irá explorar o gênero cinematográfico de 'phantom rides', popular na Grã-Bretanha e nos Estados Unidos no início de 1900.
Daniel Crooks, Static No. 12 (busca da quietude em movimento), 2009-2010 | © Franklin Heijnen / Flickrcommons
