Os 10 Melhores Fotógrafos Australianos Que Você Deve Conhecer
O Baile de Errysthon
(2010) foi inspirado no mito grego de Erysicthon, rei da Tessália, para questionar a vaidade das sociedades modernas, evidente na atividade generalizada e auto-absorvida de tirar várias imagens de si mesmo e publicá-las através de diversos canais de mídia social, tentando assim controlar a representação pessoal e perpetuar os fenômenos da vaidade. Em muitos de seus trabalhos, Khamara usa imagens de si mesma e de sua família ou amigos, o que lhe permite trabalhar intimamente com seus retratos. Em Watch me slip por essas folhas finas (2011), uma folha de tecido impressa com imagens de si mesma e sua mãe é combinada com um espelho, para chamar a atenção para a possibilidade de indivíduos experimentarem múltiplos aspectos de si mesmos. Justine Khamara, orbital truque de rotação, 2013, impressão UV, contraplacado cortado a laser, 50 x 50 x 50 cm. Fotógrafo: John Brash | Imagem cortesia do artista Bill Henson
Bill Henson (n. 1955) faz uso de uma época específica do dia-crepúsculo - para capturar imagens de paisagens e jovens adolescentes que criam uma espécie de "mitologia moderna". As condições de iluminação do crepúsculo e as técnicas de ajustes de subexposição e impressão permitem que Henson obtenha contrastes de sombra e claro-claro-escuro que são semelhantes às pinturas de natureza-morta dos mestres flamengos. Sua obra evoca uma atmosfera de transcendência e eventos sobrenaturais, explorando o tema recorrente da dualidade. Seus temas são retratados na escuridão e luz fraca, nunca olhando diretamente para a lente, parcialmente escondidos para criar uma aura de mistério e existência bacanaliana. Os quadros pictóricos encenados de Henson dão continuidade à tradição da literatura e da arte românticas do século XIX e do conceito de Sublime, em que a grandeza da natureza provoca as sensações conflitantes de espanto, terror e pavor. Desfocando as linhas entre a realidade e o inconsciente, Henson transporta o espectador para uma dimensão paralela, escondendo-se atrás de grossos véus de escuridão e ricamente carregada de referências ao nosso passado. Para o artista, as paisagens são elementos fortes de nossas memórias e seu interesse em capturá-las em imagens
memento mori
que têm o poder de transportar o espectador para um mundo atemporal. Bill Henson, Untitled 1 / 2000, CB / JPC SH97 N11, impressão de pigmento a jato de tinta para arquivamento, 180 x 127 cm | Cortesia do artista e galerias Tolarno, Melbourne Tracey Moffatt A cineasta, videoartista e fotógrafa Tracey Moffatt (n. 1960) cria trabalhos instigantes que exploram questões como raça, trauma infantil e mídia, bem como Subjugação aborígine, dominação materna, estereótipos de gênero e divisão de classes. Obras produzidas na década de 1980 incluem Some Lads
(1986), uma série de fotografias em preto-e-branco que ela mostrou ao lado da fotografia colorida
The Movie Star
(1985). Em Sonhos Desapontados (1989), Moffatt apresentou uma narrativa rica e fragmentada com imagens sugestivas de violência, glamour e sonhos decepcionados. Seu interesse pelas relações de poder é evidente em Scarred for Life (1994), um conjunto de litografias justapondo fotografias e texto, imitando o layout e o formato das páginas antigas e desbotadas da revista Life . A série retrata a infância e a adolescência como tempos saturados de violência, negligência e agitação psicológica. Em 1998, Moffatt experimentou com um novo meio, criando Laudanum , uma série de fotogravuras , ou gravuras em foto, que enfocavam a relação entre uma mulher e seu servo aborígene. Seu trabalho recente, 'Spirit Landscapes' (2013), exibido no QAGOMA em 2015, compreende cinco novas séries fotográficas e um filme, explorando a espiritualidade, a memória na paisagem e o sobrenatural e oferecendo uma meditação sobre o significado da terra e lugar através de histórias pessoais e universais. Tracey Moffatt, Adventure Series 6, 2004, impressão colorida em papel Fujiflex, 132 × 114 cm, edição de 25 | Cortesia do artista e da galeria Roslyn Oxley9, Sydney Patrick Pound No centro da prática de Patrick Pound (n. 1962) está um interesse nas noções de colecionar e arquivar, que lhe permitem criar uma espécie de 'mapeamento da cultura humana'. Com uma visão do mundo que equivale a um quebra-cabeça, o artista tenta reconectar suas peças, uma a uma, acumulando, categorizando e classificando meticulosamente fotos e efêmeras encontradas. A prática de Pound visa alcançar um entendimento inatingível através da coleta infinita. Suas colagens e conjuntos de imagens encontradas e objetos descartados não são aleatórios, mas funcionam como definições em um dicionário ou como evidências compiladas e construídas. Pound "define" noções abstratas que são captadas no filme, mas negligenciadas pelos retratos que materializam o observador comum, materializando o intangível. Por exemplo, Portrait of the Wind (2013) compreende uma grande coleção de retratos encontrados de pessoas "que por acaso estavam ao vento", enquanto a série Crime Scene (2013) apresenta fotografias nas quais os sujeitos parecem estar mortos - na verdade A Sombra do Fotógrafo é uma série de fotografias nas quais a sombra do fotógrafo é capturada em filme, enquanto em
O Desaparecido
Pound eliminou pessoas de cartões postais e fotografias usando o Photoshop
Liu Xiaoxian Originalmente da China, Liu Xiaoxian (nascido em 1963, Pequim) mudou-se para a Austrália em 1990, após o incidente de Tiananmen. Sua formação chinesa e sua experiência de vida como um australiano "adotado" desempenham um papel importante em sua prática artística, que explora as diferenças, bem como as semelhanças entre Oriente e Ocidente em questões como cultura, tradição, política, religião, identidade e gênero . Através da fotografia e escultura, Liu analisa símbolos ocidentais e orientais icônicos ou culturalmente significativos como uma expressão da experiência migrante, justapondo-os em seu trabalho. Seu monumental díptico Our Gods (2000), na coleção da Galeria de Arte de Nova Gales do Sul, reúne representações do Cristo sofredor e do Buda risonho. Mais do que apenas colocados lado a lado, os dois retratos são compostos - com a ajuda de montagem e manipulação digital - de 22.500 imagens minúsculas e repetidas do outro, como pixels. Em um trabalho anterior, My Other Lives
(1 ), Liu usou fotografias de sua extensa coleção de álbuns de família australianos antigos. O artista inseriu digitalmente seu rosto em imagens estereográficas de famílias australianas da virada do século. Liu tenta dar visibilidade a uma história muitas vezes negligenciada de identidades asiáticas dentro da construção da cultura australiana, bem como abordar noções de deslocamento, migração e identidade.
Liu Xiao Xian: Do Oriente ao Ocidente. 7 a 12 de setembro de 2009, Galeria RMIT, visualização da instalação. Foto: Mark Ashkanasy | Cortesia da RMIT Gallery, Melbourne Pat Brassington Trabalhando com fotografia e mídia digital, Pat Brassington (n. 1942) extrai influências do Surrealismo, investigando o efeito misterioso e provocativo que a ambiguidade tem na interpretação. Seu trabalho se desdobra em imagens que se transformam como os borrões de tinta de um teste de Rorschach, abrindo-se para as infinitas possibilidades de nossos estados psicológicos internos relacionados a narrativas de sexo, memória e identidade. As imagens sonhadoras de Brassington combinam o analógico e o digital, passado e presente, criando uma realidade (sur) às vezes abstrata e ambígua. Em seus primeiros trabalhos, ela usou o filme em preto e branco para captar imagens poéticas e escuras de nus perto de portas e outros trabalhos. Nos anos 90, Brassington se afastou do meio mais tradicional e começou a adotar a manipulação digital. A capacidade de desmembrar, desconstruir e reconstruir imagens deu lugar à sua imaginação sem limites e permitiu-lhe prosseguir o seu interesse de longa data no espaço entre a realidade e a fantasia. A artista utiliza fotografias encontradas ou existentes de sua própria coleção pessoal, combinando-as com "elementos estrangeiros". Imagens perturbadoras de bocas amordaçadas, como em Forget Your Perfect (2008), coxas contorcidas e elementos semelhantes à genitália - como em sua série In My Mother's House (1994) - são apenas alguns entre os numerosos que ela produziu.
Pat Brassington, Shadow Boxer, 2013, impressão de pigmento, edição de 8, 72 x 50 cm | Cortesia do artista e da ARC ONE Galeria
Peta Clancy
Peta Clancy (n. 1970) explora temas de transitoriedade, temporalidade, mutabilidade e os limites corporais e subjetivos do corpo humano. Sua prática fotográfica se distancia das limitações bidimensionais para abraçar o campo expandido da fotografia, com intervenções como piercing, amassando, vincando e embebendo-a em cera, bem como produzindo peças de instalação como This Skin I'm In (2002) - com imagens impressas em travesseiros de tecido. Abordando uma preocupação com a pele, mortalidade e envelhecimento, sua série Ela carrega como um mapa em sua pele (2005-2006) é composta de imagens de olhos de uma mulher e lábios perfurados com uma agulha de prata fina, para criar um efeito de renda . Clancy diz que "A pele não tem raízes, é fácil de descascar como papel" (PDF download) e "as superfícies da pele e da fotografia são fundamentais" para o seu trabalho. A percepção da vulnerabilidade e fragilidade do corpo humano e como ele pode mudar tão rapidamente estão no centro de outra série,
papel fino
(2007), onde o papel também é representativo da pele humana - o artista não apenas perfura, mas amassa, como se representasse uma pele enrugada
Esperando que a poeira assente (2000-2005) capta a passagem do tempo e 'os minúsculos resíduos de nossa vida cotidiana', com imagens de traços e sombras deixadas por objetos quando removidos de seu lugar. Fragmentos aumentados de poeira e pele morta sugerem mortalidade e 'a poeira da qual o corpo vem e para o qual ele retornará. Peta Clancy, Ela carrega tudo como um mapa em sua pele 1, da série' Puncture ', 2015, Type-C Impressão fotográfica, 53 x 80 cm | Cortesia do artista Trent Parke O fotógrafo da Magnum Trent Parke (nascido em 1971) é inspirado em sua experiência cotidiana e trabalha principalmente com fotografia de rua. Em 2003, Parke viajou quase 90.000 km pela Austrália com sua esposa e colega fotógrafa, Narelle Autio. O resultado foi Minutes to Midnight, uma coleção de fotos da jornada que oferece um retrato perturbador da Austrália do século XXI, do interior dessecado à vida caótica em cidades aborígines remotas. Em 2007, Parke embarcou em uma jornada interior, para explorar sua própria vida e seu passado - como ele diz, "para escavar minhas próprias histórias". Por sete anos, ele trabalhou em The Black Rose Diaries, exibido na Galeria de Arte da Austrália do Sul em 2015. A série começou quando Parke refletiu sobre uma noite em que aos 12 anos ele testemunhou a morte de sua mãe por um ataque de asma. A partir daí, o artista cortou todas as lembranças de sua infância, até que ele confrontou os problemas e começou a criar um corpo de trabalho em torno dele. Composta por fotografias, cartas e textos, a série não apenas narra a vida passada e presente de Parke, mas também coloca questões universais sobre nossa própria existência. Derivando de suas experiências diárias e reflexões sobre a vida, o trabalho é uma meditação sobre as jornadas da vida e como o presente, o passado e o futuro estão inter-relacionados. Trent Parke | © Petrona Hicks Petrina Hicks
Hippy and the Snake
(2011), uma série composta de um vídeo e fotografias em larga escala que referenciavam sutilmente Eva e a serpente em um Jardim do Éden re-imaginado. Em
Vênus
e
O nascimento de Vênus
, ela apropriadamente aponta para uma deusa mitológica e outro simbolismo feminino, ao mesmo tempo em que ecoa noções mais contemporâneas de feminismo e do olhar masculino sexualizado. (Download em PDF) Outros trabalhos fazem referência à relação simbiótica entre humanos e animais, como Lambswool ou Baby de Rosemary (2008). Petrina Hicks, Shenae e Jade, 2005, de a série Untitled 2005, lightjet print | Cortesia da artista e da galeria Michael Reid Sonia Payes A fotógrafa e nova mídia Sonia Payes (n. 1956) mudou nos últimos anos para o surrealismo, criando imagens assombrosas e multicamadas nas quais os elementos são invertidos, obscurecidos e deixado sem ser visto. Através de sua prática fotográfica e de suas novas animações multimídia e instalações tridimensionais, Payes explora temas de destruição ambiental, apocalipse e renovação de nosso futuro. A artista ganhou atenção com seus ensaios fotográficos sobre 60 artistas australianos em UNTITLED. Retratos de artistas australianos , publicados pela Macmillan em 2007. Em 2012, Payes realizou uma residência na Austrália China Art Foundation em áreas rurais. Pequim, que culminou com a produção da série
Interzone
, exibida na Fehily Contemporary em 2013. Durante seu tempo em Pequim, Payes foi imerso no ambiente hostil do rápido desenvolvimento urbano da China. pedreiras e cimento. O artista foi testemunha de mudanças significativas, não só na paisagem e no meio ambiente, mas também nas relações humanas. Através de sua série, Payes forneceu um comentário social, bem como refletiu sobre as novas inter-relações entre homem e ambiente causadas pela vasta industrialização da China. 'Re-generation' (2014) explorou a prática de Payes através de uma variedade de trabalhos, incluindo Earth Warriors e
Ice Warriors - apresentados como 'guias' para dirigir a humanidade em sua busca por novas soluções para a degradação infligida Nosso ambiente. Outras séries ilustram e refletem sobre a resiliência da humanidade e sua capacidade de mudar infinitamente e se adaptar ao ambiente mutável da Terra. Sonia Payes, Guerreiros da Água, da Série 1 de Guerreiro de 2014, edição Tipo-C, edição de 5, 56 x 196 cm | Cortesia do artista
