O Significado Do Retrato De Arnolfini De Jan Van Eyck
Figura 1, O Retrato de Arnolfini, de Jan van Eyck na National Gallery, Londres, 1434 | © Ayesha23 / WikiCommons
O tema do Retrato de Arnolfini (Figura 1) é doméstico: um homem e uma mulher dão as mãos em um ambiente interior, com uma janela atrás dele e uma cama atrás dela em ambientes naturais. simbolismo dos papéis conjugais do século XV - enquanto os maridos saíam para se engajar nos negócios, as esposas se preocupavam com as tarefas domésticas. As roupas que o par está usando também deveriam ser demonstrativas, desta vez de riqueza e posição social. A pele era um luxo caro permitido por lei apenas para os altos escalões da sociedade, então os patronos e assistentes de Van Eyck estariam fazendo uma declaração consciente de sua riqueza e status por ter roupas cortadas (especialmente porque a árvore florescente fora da janela sugere que o dia estava quente). As cores dessas peças de vestuário e também das cortinas da cama também são significativas: vermelho, preto, verde e particularmente azul eram todos corantes fabulosamente caros, então novamente teria sido destinado a mostrar a riqueza deste casal, idem a quantidade de tecido (o plissado pesado usa mais tecido, ergo roupas com pregas, pregas, dobras, etc.). Van Eyck também fez questão de incluir detalhes minúsculos e belos - como os punhos de ouro e de prata combinando nos pulsos do casal, extensos detalhes ao redor da borda do véu da mulher e algumas laranjas muito caras no baú embaixo da janela. Eles não apenas demonstraram seu próprio talento para uma intrincada e intricada pincelada, mas também o seguinte fato simples: que o casal representado não apenas era rico, mas educado - eles sabiam como seu dinheiro deveria ser gasto para que refletisse bem em si mesmo.
Figura 2, Alegoria da Vaidade de Triphome Bigot na Galleria di Palazzo Barberini, Roma, c.1595-60 | Yaroslav Blanter / WikiCommons
Isso nos leva à pergunta: quem era esse casal? Acredita-se que o sujeito do sexo masculino à esquerda do espectador seja um comerciante de Bruges chamado Giovanni di Nicolao Arnolfini, e a mulher ao lado dele sua esposa. No entanto, existem vários problemas associados à segunda metade desta identificação. O artista escreveu claramente na pintura, em latim ornado: “Jan van Eyck estava aqui em 1434.” No entanto, a esposa de Giovanni morreu em 1433, que apresenta a hipótese possível: Van Eyck havia começado o trabalho em 1433 enquanto a esposa de seu patrono era viva, mas ela morreu no momento em que ele terminou, ou era simplesmente um retrato póstumo. Esta teoria não é desarrazoada, e é apoiada por grande parte do conteúdo visual da cena: a figura masculina aperta na mão escorregadia da mulher, e as velas estranhas no lustre ornamentado - que no lado do homem ainda estão inteiras e iluminadas, enquanto o castiçal oposto está vazio, exceto por alguns pingos de cera, significando que a luz da vida da mulher ainda está acesa enquanto a dela está queimada. Há também, é claro, o espelho na parede de trás da cena - um objeto frequentemente associado a pinturas de Vanitas que refletem sobre mortalidade e morte, claro na Alegoria da Vaidade de Trophime Bigot (Figura 2). Retratos póstumos também não eram inéditos; em 1472, em Urbino, na Itália, o duque Federico da Montefeltro havia encomendado um díptico dele e de sua esposa recentemente falecida. O duplo retrato sobrevive até hoje, com o par continuando a encarar um ao outro na morte e na vida, seu rosto bronzeado e saudável enquanto seu rosto é de mármore branco (Figura 3).Figura 3, Retratos de Federico da Montefeltro e Sua Esposa Battista Sforza de Piero della Francesca na Galeria Uffizi, Florença, 1472, | Sailko / WikiCommons
Voltando ao
Retrato de Arnolfini , há também uma segunda possibilidade, que é uma representação de um segundo casamento, para o qual os registros foram perdidos. Certamente o rosto da mulher parece particularmente jovem, quase como uma boneca - embora essa jovem não seja indicação de que ela era uma segunda esposa, já que as meninas poderiam se casar antes mesmo de serem adolescentes nessa época. Sua aparência é muito elegante, com uma sobrancelha alta e cabelo especificamente estilizado. A bolsa de estudos parece não pensar que ela está grávida, embora ela pareça imediatamente assim, mas sim que ela estava levantando uma grande quantidade de tecido pesado e plissado para mostrar sua caríssima saia azul. Naturalmente, isso poderia ser um erro e o pano poderia ter sido simplesmente destinado a chamar atenção para sua cintura; afinal de contas, não há como confundir a óbvia cama atrás dela, simbolicamente enfeitada inteiramente em vermelho - um significante indiscutível de amor e paixão. O cachorrinho a seus pés demonstra sua fidelidade ao marido (um motivo artístico clássico e um notavelmente usado por Madame de Pompadour no século 18), vários de seus retratos como a amante principal oficial do rei Luís XV. da França incluem um pequeno cachorro preto (Figuras 4 e 5) e sua cabeça coberta expressa que ela é uma mulher casada - apenas os jovens, os reais ou os imorais usavam os cabelos soltos e descobertos. Seu olhar para baixo também mostra sua submissão e obediência manso ao homem que segura a mão dela. Este foi o século XV depois de tudo; as mulheres eram propriedade de sua relação masculina mais próxima, e o pensamento de que fizessem algo além de se preocupar com o bem-estar de sua casa e de sua família não era nada menos que ultrajante. Figura 4, Retrato de Madame de Pompadour (1721- 1764) por François Boucher no Alte Pinakothek, Munique, 1756 | Slick-o-bot / WikiCommons Até aqui tudo bem - toda a visualidade não é extraordinária; além, é claro, dos detalhes de tirar o fôlego e da brilhante ordem de cor com a qual a cena é retratada, e a atribuição real das identidades dos assistentes. No entanto, há várias notas curiosas que tornam este trabalho de realismo particularmente interessante. Em primeiro lugar, o espelho na parede de trás - que, aliás, poderia ser uma obra de imaginação, como é significativamente maior do que os espelhos poderiam realmente ser feitos para ser neste momento - que já foi abordado, mas não notado por sua detalhamento espetacularmente alto. Na superfície de vidro polido e convexo, cercada por belas cenas em miniatura da Paixão de Cristo, as costas do casal são refletidas - mas também deliciosamente, junto com a figura azul brilhante do próprio artista, a fim de apresentar uma representação verdadeira da cena da pintura. . Devido à inclusão do artista e de sua grande assinatura na parede, foi apresentada a teoria de que o trabalho era o equivalente a um contrato de casamento: o sindicato evidentemente foi testemunhado pela inclusão visual de uma terceira figura, que também ajudou. Assinou a imagem em letras grandes e óbvias acima do espelho para provar sua presença. Essa teoria, é claro, negaria a de ser um retrato comemorativo da esposa - mas, devido à ausência de qualquer evidência concreta que demonstrasse uma explicação, de uma forma ou de outra, nenhuma das duas pode ser provada ou refutada. Madame de Pompadour no seu quadro Tambour por François-Hubert Drouais na National Gallery, Londres, 1763-64 | Eugene a / WikiCommons No entanto, essa ambigüidade aumenta o charme desta pintura e exige que os espectadores olhem mais de perto para a bela e detalhada obra, a fim de extrair suas próprias idéias e teorias sobre o trabalho a partir da análise visual independente. Mesmo que a apreciação do supremo talento de Jan van Eyck possa ser apreciada apenas a partir deste trabalho, essa é certamente uma conclusão satisfatória a ser tirada do misterioso
Arnolfini Portrait.
Talvez, se o assunto
fosse
conhecido, com todos os detalhes e complexidades, então o trabalho não seria metade apreciado ou investigado. Seu charme reside nas histórias e idéias que inspira nas mentes daqueles que olham para ele, e se aprofundam em sua superfície; uma ausência de conhecimento só aumenta sua beleza.
