As 10 Obras De Arte Mais Influentes Das Décadas De 1920 E 1930
Nova York, início dos anos 20 (1920-24)
O artista Thomas Hart Benton, nascido no Missouri, homenageia sua cidade adotiva de Nova York nesta composição de óleo, apresentando uma visão panorâmica do Madison Square Park. Reconhecido internacionalmente como um pioneiro do movimento regionalista de arte, Benton estudou o espaço urbano em Nova York, início dos anos vinte (1920-24), retratando pessoas em movimento que são pintadas como figuras escuras de palitos de fósforo. Arquivando nitidamente por veículos estacionários, essas figuras resistem à tempestade escura que se forma acima dos imponentes arranha-céus e da bandeira americana. O clima tempestuoso é definido durante um período de agitação pessoal e profissional para Benton como um simpatizante de esquerda.
'New York, Early Twenties' | © Thomas Hart Benton / WikiCommons
Menin Gate à meia-noite (1927)
A representação de Longstaff do memorial de guerra Menin Gate em Ypres (também conhecido como Ghosts of Menin Gate ) faz parte de uma coleção no memorial de guerra australiano em canberra. A composição captura os espíritos de soldados marchando em uníssono através de um milharal sob um céu noturno índigo. Depois de assistir à inauguração do Portão Menin em julho de 1927, Longfield afirmou ter tido uma aparição das tropas de capacete de aço. O artista foi para casa em Londres e completou sua homenagem de uma só vez. As papoulas vermelhas em primeiro plano representam o sangue derramado durante a Primeira Guerra Mundial e o memorial de calcário à esquerda mostra uma entrada escura e sinistra. Edifícios são pontilhados no horizonte distante (com luz intermitente), sugerindo que a área está sob um exame minucioso.
'Menin Gate at Midnight' | © Will Longstaff / WikiCommons
Chop Suey (1929)
A imagem de Edward Hopper do realismo social é composta por uma composição de retângulos geométricos multicoloridos e retrata uma cena dentro de um restaurante chinês. No primeiro plano do centro estão duas mulheres (ambas supostamente baseadas na esposa de Hopper, Josephine) que parecem ter um relacionamento ambíguo. Espelham o comportamento solitário e alheio do outro lado de uma mesa luminosa de chapéus verdes e roxos. Não há interação tátil, e a dama de verde esconde as mãos de maneira defensiva debaixo da mesa, sugerindo desconforto. As quatro figuras descritas estão se reunindo para um evento social, mas a ironia reside em uma falta de interesse e espontaneidade mútuas, que vazam através de suas expressões faciais isoladas. Um homem ao fundo conversando com uma amiga parece gostar mais de seu cigarro do que de seu encontro. Hopper captura a solidão de cada pessoa apesar de estar em um espaço público aberto. Uma mistura de luz natural e artificial é vista em toda a composição; o sol se reflete diretamente sobre as mesas brancas e a mulher de verde, dando-lhe uma palidez fantasmagórica.
'Chop Suey' | © Volatile / WikiCommons
História do México (1929-35)
Financiado pelo governo mexicano, o mural de Diego Rivera levou seis anos para ser concluído e pode ser encontrado na escadaria do Palácio Nacional ( Palacio Nacional ) na Cidade do México. Diego apresentou uma narrativa ao público que retratava simpaticamente os indianos como a minoria oprimida, brutalizada pelos espanhóis. Composto por quatro seções, as maiores peças de mural estão a 70 metros (9,9 pés) por 9 metros (29,5 pés). O Muro Norte é dedicado a uma representação da cultura asteca, incorporando um sol simbólico (o centro da religião asteca) com uma pirâmide e um líder asteca por baixo. O Muro Ocidental retrata a história da guerra, com Cortés e os exércitos espanhóis derrotando as forças opostas dos índios e astecas. O Muro Sul representa tudo o que Rivera amava e foi inspirado, da bandeira comunista vermelha ao socialista Karl Marx e artista e esposa Frida Kahlo ao lado de sua irmã Cristina (amante de Diego). As crianças das escolas estão representadas na seção, simbolizando a paz, a unidade e o progresso futuro na sociedade.
Uma parte da "História do México" | © Diego Rivera / WikiCommons
A Persistência da Memória (1931)
Inspirando-se em Freud e seus ensinamentos de psicanálise, Salvador Dalí criou este surrealista no início da década de 1930. Um relógio de derretimento macio pendurado em um galho de árvore no primeiro plano à esquerda, talvez demonstrando que o tempo está fora de qualquer proporção. A lesma no primeiro plano do centro é representativa do perfil distinto de Dalí, uma figura oprimida pelo tempo, emoldurada por cílios semelhantes a insetos. O uso de marca registrada de Dalí de formigas na face de um relógio no primeiro plano esquerdo enfatiza a sensação de decadência e destruição na paisagem árida. Dalí incorpora as características da paisagem acidentada da península de Cap de Creus e do Monte Pani de sua Catalunha natal. Originalmente exibido na Julien Levy Gallery em 1932, The Persistence Of Memory (1931) foi exibido no Museu de Arte Moderna de Nova York, desde 1934.
Persistence of Memory de Salvador Dalí litografia é mostrada em uma exposição em Fort Worth, Texas | © JENNIFER LONG / AP / REX / Shutterstock
O Fogo na Lua Cheia (1933)
O Fogo na Lua Cheia (1933) foi produzido pelo artista suíço-alemão Paul Klee durante um período sócio-político. agitação em toda a Europa em relação à sucessão de Hitler como chanceler alemão. Como professor de arte na Academia de Düsseldorf e tendo sido considerado judeu, Klee sofreu nas mãos de soldados nazistas, que saquearam sua casa. Ele perdeu o emprego e começou a sofrer de esclerodermia, que acabaria por ser fatal. A rica composição de Fogo à Lua Cheia é construída através de uma tapeçaria cúbica e geométrica de blocos coloridos e pesados representando os vastos campos do campo. Um grande sol amarelo domina a vibrante paisagem acima no canto superior esquerdo. Uma cruz vermelha brilhante no canto superior direito do quadro tem o duplo propósito de representar a Cruz Vermelha, ao mesmo tempo em que se separa como uma grande "lápide", significando morte.
'Fogo na Lua Cheia', 1933 'Paul Klee: Making Exposição visível, Tate Modern, Londres, Grã-Bretanha | © Mark Thomas / REX / Shutterstock
A Mãe Migrante (1936)
A fotógrafa Dorothea Lange captou perfeitamente a preocupação e o desespero de Florence Owens Thompson, uma mulher que enfrentou um futuro incerto como cidadã americana durante a Grande Depressão. Então, Florence, de 32 anos, era uma mãe viúva e uma trabalhadora rural destituída. Duas das crianças abatidas de Florence estão penduradas em seus ombros, os rostos obscurecidos. Florence olha para a direita consumida pela preocupação, com as sobrancelhas franzidas, apertando o queixo. Esta foto icônica é uma das seis que Lange tirou durante seu tempo em um acampamento de colhedores de ervilhas em Nipomo Mesa, Califórnia.
'Migrant Mother', Dorothea Lange, 1936 | © Granger / REX / Shutterstock
Guernica (1937)
Com aproximadamente 11 pés (três metros) de altura e 25 pés (oito metros) de largura, o Guernica de Pablo Picasso (1937) usa blocos monocromáticos de cinza, preto e branco para refletir o espectro sombrio da morte e da destruição. Esta composição abstrata presta homenagem aos cidadãos mortos e gravemente feridos pelas bombas lançadas na cidade de Guernica, no norte da Espanha, durante a Segunda Guerra Mundial. Animais aterrorizados e humanos têm olhos arregalados e boca aberta com membros entrelaçados no ataque. A dor e a angústia das vítimas são retratadas através do tiro de uma mãe com uma criança sem vida nos braços, gritando em agonia pela perda dela. Uma figura masculina está no chão em primeiro plano embaixo, seus membros mutilados por munição caída, segurando uma espada quebrada para proteção. A lâmpada no primeiro plano à esquerda reflete o sol "artificial" acima da paisagem escura e cheia de carnificina e destruição. Recortes de jornal são impressos nos membros de um cavalo aterrorizado que foi dilacerado por uma lança em seu lado. Um touro é apanhado no derramamento de sangue, representando El Toro , o emblema nacional não oficial da Espanha.
Uma mulher olha para 'Guernica' de Pablo Picasso | © AP / REX / Shutterstock
O autorretrato da artista Frida Kahlo, de Duas Fridas (1939)
, foi criado em um ano de tumulto pessoal; ela se divorciara do marido Diego Rivera e sofrera outros traumas pessoais. Os dois Fridas são unidos como gêmeos, unidos através do fornecimento de sangue ao coração, de mãos dadas. À esquerda, vemos uma Frida em um tradicional vestido branco tehuana (sendo o branco a cor mexicana do luto), coberto de sangue por suas tentativas bem-sucedidas de cortar sua linhagem com uma tesoura de pincher. A artéria principal está cortada, talvez enfatizando seu coração partido. Ela é apoiada pela Frida mais saudável, cujo coração está cheio e cuja roupa multicor indica calor e vivacidade. A angústia emocional de Frida é indicada ao fundo com nuvens de tempestade que se acumulam no horizonte.
'As Duas Fridas (Frida Kahlo) | © Gianni Dagli Orti / REX / Shutterstock
A Estrela da Manhã (de Constelações) (1939)
O artista catalão Joan Miró começou uma série de 23 imagens nomeadas Constelações em 1939, na esperança de explorar sua fascinação com poder, constelações e o universo exterior usando mapas astrais (todos os quais forneceram um bem-vindo alívio da guerra em terra). Miró sugere que ele gostaria de tomar a forma de um pássaro, longe do derramamento de sangue sob o poder da Alemanha nazista em toda a Europa. Formando um quebra-cabeça abstrato, pequenas fatias de cores primárias são generosamente tecidas nos cantos da composição. O fundo é suavemente silenciado com um rosa salmão e um fundo azul claro.
