10 Artistas Contemporâneos Femininos Da Índia Para Conhecer
Shilpa Gupta
Examinando uma gama de temas da cultura de consumo ao desejo, segurança, religião, nacionalismo e direitos humanos, as práticas interdisciplinares de Shilpa Gupta utilizam vídeos interativos, fotografia, instalação e performance art, muitas vezes dependendo da participação do público. Funcionando como um videogame interativo, suas séries de projeções de vídeo intituladas Shadow (1, 2 e 3) incorporam as sombras simuladas dos espectadores, capturadas por uma câmera ao vivo. As sombras são projetadas na tela branca e interagem com outras sombras criadas por objetos, bonecas, casas, pássaros e outras figuras dançando, pulando e caminhando. Gupta é uma entre uma geração jovem de artistas indianos cujo trabalho responde às divisões sociais pós-coloniais do país. Ela frequentemente embaça, redesenha e apaga limites geopolíticos, como em 100 Mapas Desenhados à Mão da Índia (2007-2008), compostos de mapas desenhados à mão por espectadores da memória, ou dela trabalho sem título representando uma bandeira amarela de fita da polícia dizendo: “Não há fronteiras aqui.”
Bharti Kher
O bindi - uma decoração indiana tradicional na testa - é central à prática de Bharti Kher, e convida significados ambivalentes, oscilando entre tradição e modernidade. Kher prospera na criação de arte retratando má interpretação, equívocos, conflito, multiplicidade e contradição, explorando o drama humano e a vida contemporânea. O bindi aparece em suas pinturas, bem como em suas instalações esculturais, desafiando o papel das mulheres em um país tradicional e referenciando seu significado espiritual tradicional do "terceiro olho". Seu recorde A pele fala uma língua que não é sua (2006) mostra um elefante de fibra de vidro morto ou moribundo, coberto por brilhantes bindis . Seu trabalho envolve histórias alegóricas, criaturas fantásticas, bestas mágicas e monstros místicos, como visto em outras peças baseadas em animais, como Misdemeanors . Uma ausência de uma causa atribuível (2007) é uma réplica em tamanho natural do coração de uma baleia azul, baseada na imaginação do artista, enfatiza a ideia romântica de um "grande coração" e os mistérios que ligam o coração a conceitos de amor, vida e morte.
Bharti Kher - Uma ausência de causa atribuível | © Jennifer Boyer / Filckr
Zarina Hashmi
Com papel como seu meio primário e um vocabulário mínimo rico em associações, Zarina Hashmi cria trabalhos abstratos que ressoam com suas experiências de vida de exílio e expropriação e o conceito de lar - seja isso é pessoal, geográfico, nacional, espiritual ou familiar. Sua obra contemplativa e poética inclui xilogravuras, gravuras, desenhos e moldes feitos de pasta de papel. Suas linhas artesanais e caligráficas constituem um elemento unificador em suas composições. A linguagem é fundamental para o artista. Cartas de Casa (2004) mostra uma série de gravuras baseadas em cartas de sua irmã Rani, que mora no Paquistão. Em uma entrevista de vídeo da Tate, Zarina conta como a recepção dessas cartas ajudou-a a preservar um senso de identidade. Urdu manuscrita é sobreposta com mapas e plantas de casas e lugares distantes, trazendo as sombras de momentos significativos e impressões de lugares relevantes para a vida de sua família.
Nalini Malani
O conceito da fronteira transcendida está no coração de Nalini A prática de Malani, que extrai da literatura, mitologia, história e vida pessoal para criar arte com relevância entre culturas. De desenhos a pinturas, animação projetada, teatro de sombras, vídeo e filme, o artista justapõe tradição com elementos modernistas para abordar questões urgentes relativas à sociedade contemporânea. Sua família foi afetada pela Partição de 1947 - um tema que é caro para Malani, como visto em Lembrando Toba Tek Singh (1998) , um vídeo inspirado no conto de Sadat Hasan Manto sobre o mesmo título. Malani usa o simbolismo da morte de Bishen Singh - um doente mental que, recusando-se a se mudar para a Índia durante a Partição, morre em terra de ninguém entre as duas fronteiras. Malani, então, está explorando os efeitos da Partição na vida das pessoas e ela amplia essa exploração para o efeito dos testes nucleares em Pokhran, Rajasthan. O interesse de Malani em Cassandra reside em sua crença de que cada um de nós tem idéias e instintos. Sua exposição de 2014 intitulada Cassandra's Gift na Vadehra Art Gallery focou na possibilidade de a humanidade prever os eventos do futuro e realmente 'ouvir' o que está acontecendo ao seu redor.
Rina Banerjee
A love de substância, tecido e textura, juntamente com a experiência de viver em comunidades de locais mistos cultural / racial fornecem a base para obras poéticas multimídia de Rina Banerjee. Ela define sua obra como uma exploração de "momentos coloniais específicos que reinventam lugar e identidade como experiências diaspóricas complexas entrelaçadas e às vezes surrealistas". Banerjee cria conjuntos coloridos de tecidos, itens de moda, objetos coloniais, móveis, materiais de taxidermia e orgânicos, provenientes de lojas de sucata de Nova York e reconfigurados em objetos imbuídos de novos significados. Materiais incomuns incluem jacarés taxidermied, berços de madeira, ossos de peixe, ovos de avestruz, penas e móveis antigos. Enquanto o hibridismo de suas obras é um reflexo de sua formação cosmopolita, a linguagem visual que ela cria está enraizada na mitologia e nos contos de fadas. Leve-me, leve-me ... ao Palácio do Amor (2003) é uma instalação que foi mostrado no Musée Guimet em Paris em 2011. Articulando um discurso sobre suas origens e a visão ocidental-orientalista do Oriente, ele compreendeu um pavilhão de plástico rosa feito na forma do Taj Mahal para evocar uma visão da Índia através da rosa - Óculos coloridos, característicos da presença colonial britânica na Índia - com um conjunto central de materiais "exóticos".
Dayanita Singh
Criando curiosas narrativas da vida cotidiana através do meio fotográfico, Dayanita Singh dá expressão visual a uma paisagem que justapõe a imaginação do artista com o mundo real. Suas fotografias em preto e branco são apresentadas em uma instalação intitulada Museum , bem como em seu meio favorito: o livro. O papel tem um significado particular para Singh. O artista retrata a todos, desde a classe alta até as franjas da sociedade, dando uma visão de grande angular da Índia contemporânea. Mona Ahmed é uma figura recorrente em seu trabalho; desde seu primeiro encontro em 1989 em uma comissão para o London Times - um eunuco que vive em um cemitério em Old Delhi, um duplo pária rejeitado por sua família e pela comunidade eunuco. O retrato de Mona de Singh é uma exploração daqueles com identidades fragmentadas e falta de um sentimento de pertencimento, que é o tema do livro Eu mesmo Mona Ahmed . A Casa do Amor de , de Singh, desbota a linha entre o livro de fotografia e a ficção literária, com imagens acompanhadas de poesia e prosa que narram nove contos. Os 'museus' portáteis, como o File Museum (2013) ou o Museum of Chance (2014), são grandes estruturas de madeira que podem ser dispostas em diferentes configurações, mantendo-se entre 70 para 140 fotografias. Essa 'foto-arquitetura', como Singh a chama, permite que ela exiba, edite e arquive imagens indefinidamente. Reena Saini Kallat
Reena Saini Kallat incorpora muitas vezes mais de um meio em uma única obra de arte. A obra de Kallat envolve os ciclos intermináveis da natureza e a fragilidade da condição humana, refletindo as constantes mudanças entre o nascimento, a morte e o renascimento; construção e colapso, derrota e ressurgimento. Ela freqüentemente trabalha com nomes registrados ou registrados oficialmente - de pessoas, objetos ou monumentos que foram perdidos ou desapareceram sem deixar vestígios. Um motivo recorrente em sua prática é o carimbo de borracha, um símbolo de controle e do aparato burocrático - um "estado sem rosto" que obscurece e confirma identidades. Kallat usa carimbos desde 2003, investindo seus trabalhos com ironia. Em Falling Fables, ela usou selos com os endereços de monumentos perdidos protegidos sob o Levantamento Arqueológico da Índia, criando formas de ruínas arquitetônicas, chamando a atenção para o estado de colapso e fratura da memória coletiva que acontece na Índia e no mundo hoje. Em 2013, ela criou
Untitled (Cobweb / Crossings) , uma teia de aranha na fachada do Museu Bhau Daji Lad, em Mumbai. Sua criação foi composta por uma tonelada de carimbos de borracha com os antigos nomes das ruas em torno do museu e destacando histórias perdidas. Anteriormente, a Kallat usou o motivo da Web para lidar com questões de migração e aqueles que a controlam. Em 'Untitled (Map / Drawing)', um intrincado mapa do mundo feito com fios elétricos e acessórios traça os caminhos migratórios frequentemente ocultos dos trabalhadores. [K] Reena Saini Kallat - Sem Título (2008) - Detalhes | Através de fotografia e instalação escultural, Hema Upadhyay se envolve com noções de identidade pessoal, pertencimento, deslocamento, nostalgia e gênero, refletindo sobre o estado contemporâneo de Mumbai - uma metrópole com seu multiculturalismo resultando dos movimentos migratórios. Um trabalho autobiográfico recorrente inclui fotos de si mesma, como se ela estivesse procurando seu próprio lugar dentro da cidade, para a qual ela foi forçada a migrar com sua família durante a Partição. Em sua primeira exposição individual,
Sweet Sweat Memories
(2001), ela apresentou trabalhos que falam de sentimentos de alienação e perda. A série apresentava fotografias em miniatura de si mesma coladas em pinturas que mostravam as perspectivas aéreas e subalternas de Mumbai como uma cidade nova esmagadora.
Sheela Gowda Incorporando escultura, arte de instalação e fotografia mostrando a Índia urbana e rural, Sheela Gowda cria obras usando materiais do cotidiano, incluindo objetos e materiais encontrados e reciclados como esterco de vaca, red kumkum
(açafrão), incenso, cabelo humano, folha de ouro, corantes cerimoniais e materiais domésticos como fibras de coco, agulhas, fios e cordão. A prática de Gowda depende muito de seu processo, que obscurece as fronteiras entre arte e artesanato, e questiona o papel da subjetividade feminina no contexto da religião, nacionalismo e violência que constitui a Índia contemporânea.
E conte a ele sobre o meu(2001) empregou mais de 100 metros de fio enrolado tingido de vermelho kumkum, suspenso e envolto no espaço para formar um desenho tridimensional. O trabalho fez referência à cultura das especiarias indianas e à indústria têxtil - tradicionalmente parte da experiência vivida de uma mulher - para realçar a dor da vida doméstica feminina numa sociedade patriarcal. Pushpamala N Através da fotografia, performance e videoarte, Pushpamala N critica o estereótipo sociocultural feminino indiano e a classificação redutiva da documentação etnográfica. Formada como escultora, Pushpamala voltou-se para a fotografia e a performance art nos anos 90 para explorar seu interesse pelas narrativas. Usando elementos da cultura popular e tradição, ela examina noções de lugar, gênero e história. Sua exposição de referência, Escavações,
incluía montagens de papéis e materiais descartados que tentavam ver a história contemporânea como um sítio arqueológico. Os "romances fotográficos" de Pushpamala a vêem como o assunto em vários papéis, com imagens emprestadas da cultura popular, mitologia e referências históricas, explorando humoristicamente as complexidades da sociedade contemporânea e da vida urbana da Índia. De histórias de fantasmas a romances sentimentais e retratos etnográficos, Pushpamala questiona noções de feminilidade, nação, nativo, riqueza versus pobreza e cidades imaginadas.
Pushpamala N. | © Shiv Ahuja / WikiCommons
