10 Artistas Contemporâneos Japoneses Que Conhecem
Chiho Aoshima
Membro de a produtora de arte Kaikai Kiki e o movimento Superflat (ambos fundados pelo lendário artista japonês Takashi Murakami), Chiho Aoshima é mais conhecido por suas fantásticas criaturas pop urbanas e paisagens. Um autodidata que começou a trabalhar com arte gráfica na fábrica de Murakami, Aoshima cria paisagens de sonhos surreais habitadas por fantasmas, demônios, mulheres jovens e elementos da natureza. Sua arte é tipicamente de grande escala e impressa em papel com materiais como couro e plástico, para textura. Em 2006, Aoshima produziu City Glow, Mountain Whisper (2006) na estação de Gloucester Road em Londres como parte da Art on the Underground, onde 17 plataformas sucessivas criaram uma paisagem mágica que gradualmente se transformou do dia para a noite. urbano para rural. O trabalho retratou o mundo utópico de Aoshima no qual o tempo é suspenso e as criaturas orgânicas são uma com coisas inanimadas.
Chiharu Shiota
Chiharu Shiota é uma artista performática e instaladora que cria instalações visuais em grande escala e específicas do local. Central para a sua prática são temas de memória e esquecimento, sonhos e realidade, passado e presente, e o confronto da ansiedade. Seus trabalhos mais célebres são teias impenetráveis de fio preto que abrigam uma variedade de objetos domésticos, pessoais e cotidianos, como cadeiras velhas, um piano queimado, um vestido de noiva e, às vezes, a própria artista. Labirinto da Memória (2012) compreende uma série de vestidos englobados pelo onipresente fio preto presente em muitas de suas obras. Estes vestidos são concebidos como uma “segunda pele”, moldando e constringindo o corpo. A onipresença do fio preto destina-se a descrever e impor essa relação exata. No verão de 2014, a Shiota instalou Perspectives (2004), feita com mais de 300 calçados doados acompanhados de anotações manuscritas de cada doador, confidenciando uma lembrança pessoal. O Shiota então conectou os sapatos com um fio vermelho, cada um suspenso do mesmo gancho. Shiota representou o Japão na 56ª Bienal de Veneza em 2015 e sua primeira exposição em Blain Southern, Berlim, que abriu durante a Berlin Art Week em 2016 causou sensação.
Perspectivas: Chiharu Shiota | Ai Arakawa é inspirado por estados de mudança, períodos de instabilidade, acidentes felizes e elementos de risco. Suas peças e instalações de performance envolvem temas de coletividade, amizade, simultaneidade e improvisação. O trabalho de Arakawa é quase sempre colaborativo e envolve o elemento artístico do espetáculo social - da produção à destruição. Sua sensibilidade artística é informada por uma condição performativa, indeterminada, "em todos os lugares, mas em nenhum lugar". Seu trabalho aparece em lugares inesperados internacionalmente, multiplicando-se através de processos colaborativos. Em 2013, seu trabalho foi exposto no 'Kamikaze Loggia' (Pavilhão Georgiano) na Bienal de Veneza, e em uma pesquisa de arte contemporânea japonesa intitulada
Roppongi Crossing
no Mori Art Museum. Sua instalação Hawaiian Presence (2014) foi um projeto colaborativo com a artista carioca Rodriguez, de Nova York, para a Whitney Biennial 2014. Na Frieze London em 2014, Arakawa e seu irmão Tomoo - trabalhando como dupla sob o nome "United Brothers" - apresentaram um trabalho de performance intitulado This Soup Taste Ambivalent? em que o casal ofereceu sopa aos visitantes, supostamente feito com as raízes daikon "radioativas" de Fukushima. Koki Tanaka O Artista do Ano 2015 do Deutsche Bank, a abordagem visual de Koki Tanaka explora a comunidade e uma experiência compartilhada de criatividade e imaginação, incentivando o intercâmbio entre os participantes e defendendo novas regras de colaboração. Sua instalação no Pavilhão Japonês da Bienal de Veneza de 2013 consistiu em um vídeo com objetos transformando o Pavilhão em uma plataforma de compartilhamento artístico. Os vídeos e instalações de Tanaka exploram a relação entre objetos e ações, registrando gestos simples executados com itens do cotidiano, como legumes cortados à faca, cerveja despejada em um copo e a abertura de um guarda-chuva. Nada de grandeza acontece nesses vídeos, mas a repetição compulsiva e a atenção aos mínimos detalhes obrigam o espectador a valorizar o mundano. Mariko Mori Mariko Mori cria trabalhos multimídia em vídeo, fotografia, novas mídias e arte de instalação. Ela expressa uma visão minimalista e futurista através de formas elegantes e surreais. Um tema recorrente no trabalho de Mori é a justaposição da mitologia oriental com a cultura ocidental, como visto em suas imagens em camadas digitais. Mori ganhou destaque com o
Wave UFO
, que estreou no Kunsthaus Bregenz, Áustria em 2003. Posteriormente, este trabalho viajou para Nova York e mais tarde foi incluído na Bienal de Veneza de 2005. Em 2010, Mori fundou a Fundação Faou, uma organização educacional e cultural sem fins lucrativos, através da qual ela dedicou uma série de suas próprias instalações artísticas permanentes harmoniosas, específicas para cada local, para homenagear os seis continentes habitáveis. Mais recentemente, uma instalação permanente da Fundação Faou intitulada
Anel: Um com Natureza
foi instalada sobre uma bela cachoeira em Visconde Mauá, em Resende, não distante do Rio de Janeiro. Mariko Mori, 'Infinite Energy' , 2013. Trabalhar com o apoio da Espace Louis Vuitton Tokyo | © Ryoji Ikeda Ryoji Ikeda é um novo artista de mídia e som cujo trabalho envolve principalmente o som em uma variedade de estados "brutos" - de sons sine ao ruído - empregando frequências na borda de o alcance da audição humana. Suas performances e instalações imersivas compreendem sons gerados por computador que se transformam visualmente em projeções de vídeo ou padrões digitais. O trabalho audiovisual de Ikeda usa escala, luz, sombra, volume, sombra, sons eletrônicos e ritmo para inundar os sentidos. O famoso padrão de teste de Ikeda [no.5] compreende cinco projetores que iluminam um espaço de cerca de 28 metros de comprimento e oito de largura. A instalação converte dados (texto, sons, fotos e filmes) em códigos de barras e padrões binários de zeros e uns. A obra de Ikeda também inclui performances de uma noite, como datamatics [ver.2.0]
, uma versão atualizada de um concerto audiovisual que ele apresentou em vários locais do mundo desde 2006, começando com Zero1, San Jose, Califórnia, para o ISEA 2006. Ikeda examina e aplica métodos matemáticos e científicos para moldar música, tempo e espaço, criando experiências fascinantes. Ele explora o som e a visão, desconstruindo suas propriedades físicas para revelar as complexas relações envolvidas na percepção humana. Por fim, Ikeda testa os potenciais extremos da tecnologia digital, desafiando os limiares da percepção. My Lonesome Cowboy (1998) vendeu na Sotheby's New York por um recorde de US $ 15,2 milhões em 2008. Além de sua obra, Murakami colaborou com Marc Jacobs, Louis Vuitton e Issey Miyake. Tatsuo Miyajima Tatsuo Miyajima é um artista escultor e instalador cujas obras altamente tecnológicas empregam materiais contemporâneos como circuitos elétricos, vídeo e computadores, centrados no uso de gadgets desde os anos 80. Os principais conceitos artísticos de Miyajima inspiram-se nas ideias humanistas e nos ensinamentos budistas. Os contadores de LEDs em suas instalações piscam continuamente na repetição de 1 a 9, simbolizando a jornada da vida até a morte, mas evitando a finalidade, que é representada por 0 e nunca aparece em seu trabalho. Seus numerais sempre presentes, apresentados em grades, torres e circuitos, expressam seu interesse em idéias de continuidade, conexão, eternidade e fluxo de tempo e espaço. Mais recentemente, o trabalho de Miyajima intitulado foi exibido na exposição inaugural de Met Breuer, Unfinished: Thoughts Left Visible em Nova York. 藍色 地平線| Com uma carreira surpreendente que abrange sete décadas, Yayoi Kusama explorou os domínios da pintura, desenho, colagem, escultura, performance, cinema, gravura, instalação e arte ambiental, como: bem como literatura, moda e design de produto. Kusama desenvolveu um estilo altamente distinto de arte polca pontilhada, que desde então se tornou sua marca registrada. Tais visões ilusórias são, para Kusama, o produto de alucinações que ela experimentou desde a infância, nas quais o mundo parece estar coberto de formas proliferantes. Kusama cobriu quartos inteiros com pontos coloridos e espelhos "infinitos" que infinitamente refletem formas coloridas de luz. Yoshitomo Nara Yoshitomo Nara cria pinturas, esculturas e desenhos representando suas crianças e cães de olhos arregalados - sujeitos que tentam capturar um sentimento infantil de tédio e frustração, e recapturar o independência feroz natural para as crianças. Reminiscente de ilustrações de livros tradicionais, sua estética apresenta uma tensão inquieta, parcialmente influenciada pelo amor de Nara ao punk rock. Os títulos de suas obras são um testemunho disso, de A Garota com a Faca em Seu Lado (1991) a Violência Silenciosa (1998), (1 ) e Não há nada Yoshitomo Nara: Nobody's Fool , incluindo trabalhos que abrangem os 20 anos de carreira do artista. As obras em exposição estavam intimamente ligadas às sensibilidades de subculturas juvenis em todo o mundo, focalizando temas de alienação e rebeldia, particularmente em relação ao rock e à música punk. Rei dos Filhotes - Yoshitomo Nara + graf | © sprklg / Flickr
Arrow of Time (Vida inacabada)
Yayoi Kusama, Rescaldo da Obliteração da Eternidade [Vista de Instalação], 2009 | © Yoshitomo Nara
Neurotic to the Bone
(2000). Em 2011, o Asia Society Museum de Nova York realizou sua primeira grande exposição solo intitulada
