10 Artistas Contemporâneos Filipinos A Conhecer
Ronald Ventura
Em 2011, Ronald Ventura quebrou o recorde de maior bilheteria do Sudeste Asiático na Sotheby's em Hong Kong quando seu trabalho de grafite, óleo e acrílico intitulouvendido por US $ 1,1 milhão. As pinturas e esculturas de Ventura apresentam múltiplas camadas de imagens e estilos, simbolizando a identidade nacional multifacetada das Filipinas - um país que, ao longo da história, foi colonizado pelos Estados Unidos, Espanha e Japão. O trabalho de Ventura incorpora a complexidade da cultura pós-colonial através da justaposição de motivos orientais e ocidentais; alta e baixa cultura; tradição e progresso; passado e presente
Alfredo e Isabel Aquilizan
Marido e esposa duo Alfredo e Isabel Aquilizan emigraram para a Austrália em 2006 - um evento que se tornou parte integrante de suas práticas artísticas. Seu trabalho fala de comunidade, experiência pessoal, memória e deslocamento, ao lado dos efeitos emocionais e psicológicos da migração. Os aquilizanos costumam usar objetos culturalmente significativos como metáforas da “experiência vivida”. Em 2006, eles exibiram Project Belonging: In Transit na Bienal de Sydney; feitas com caixas tradicionais balikbayan usadas pelos filipinos para despachar seus pertences pelo mundo, a instalação evocou a viagem do casal para a Austrália. Este trabalho evoluiu para o Project Another Country: Address (2008), feito a partir do conteúdo de 140 balikbayan caixas, cada cuidadosamente embalado e com curadoria de itens pessoais. Desde então, os aquilizanos produziram vários trabalhos envolvendo a comunidade local, empregando materiais doados e criando instalações complexas a partir de objetos de importância.
Mark Salvatus
Temas do urbanismo e da política cotidiana são centrais para o trabalho do artista multidisciplinar Mark Salvatus, também atua como co-fundador dos grupos artísticos de rua locais Pilipinas Street Plan e 98B Collaboratory. Inspirando-se em sua paisagem urbana, cultura popular e mídia, Salvatus retrata a experiência contemporânea, tanto em sua terra natal, Filipinas, quanto nos lugares para onde ele viaja. Salvatus relaciona semelhanças transculturais, como representado em Haiku (2013) - uma projeção em vídeo de grafite que o artista fotografou durante suas viagens pelo Japão, Nova York, Austrália e Indonésia. O vídeo conecta pessoas e culturas que, de outra forma, não são relacionadas, para criar um diálogo global. Em 2014, a artista apresentou Latitudes no Centro Cultural das Filipinas - uma série de três trabalhos dedicados a questões sociopolíticas em torno dos recursos da terra, do ar e da água.
Gary-Ross Pastrana
Objetos familiares são desconstruídos para além do reconhecimento nos trabalhos conceituais de Gary-Ross Pastrana, a ponto de herdarem uma nova forma, significância e função. Pastrana está interessado nas conseqüências de transformar a fisicalidade de um objeto, observando como suas conotações são subsequentemente alteradas Set Fire to Free (2002) explora se um objeto pode reter sua 'coisa-coisa' se estiver quebrado. Pastrana destruiu uma escada, queimando uma parte dos restos e criando um pássaro de suas cinzas. Para Dois Anéis (2008), o artista derreteu dois dos anéis de sua mãe e moldou-os em um objeto parecido com uma espada para investigar se aquela transformação física alteraria o sentimentalismo ou o valor do material. Pastrana concluiu que o valor monetário não seria perdido, mas mais significativamente, seu valor sentimental aumenta à medida que as propriedades dos anéis se fundem. Pastrana reconfigura a realidade para revelar a verdade de um objeto.
Gary-Ross Pastrana, Sem título (Horizonte), 2014. Colagem. | Cortesia de imagem do artista e Silverlens
José Santos III
José Santos III há muito desafia as percepções do "cotidiano". Em seus primeiros trabalhos, Santos pintou cenas trompe l'oeil hiper-realistas e composições surreais e oníricas. O artista multimídia desenvolveu um estilo enigmático, deixando seu trabalho aberto à interpretação. Ele continua a explorar uma fascinação por objetos, em um esforço para descobrir suas histórias, obscurecendo simultaneamente a percepção do familiar pelo espectador. Em ²hide (2014), e exposição na Pearl Lam Galleries, Santos expôs um novo corpo de trabalho apresentando objetos cotidianos imbuídos de novos significados. Objetos despercebidos são frequentemente colocados no centro das atenções, reposicionados para criar uma nova experiência. Santos evoca uma apreciação renovada pelo oculto, mostrando-nos até que ponto damos valor aos objectos no quotidiano. Costantino Zicarelli
Costantino Zicarelli é um autoproclamado músico falhado e grafiteiro cujas obras reflectem história de drone metal, black metal e tudo rock n 'roll. Seus trabalhos e exposições são muitas vezes inspirados por letras de músicas, como seu show de 2013 em Silverlens intitulado
branco como o luar, branco como osso, tão escuro quanto a cobra, tão escuro quanto o trono . Explorando o "lado negro" da cultura pop, os desenhos em grafite cinza de Zicarelli revelam imagens de crânios, florestas escuras, trancas penduradas em emaranhados, bolas de discoteca, guitarras amassadas, estrelas de rock mortas e emblemas de tatuagens. O artista explica que sua prática é menos sobre ser um groupie, e mais sobre mostrar um lado menos caótico da indústria. A sua exposição de 2014 O pó dos homens foi inspirada no trabalho e na estética do icónico 2001: Uma Odisséia no Espaço de Stanley Kubrick. Das imagens do sacrifício à decadência, esta exposição mostrou a eterna fragilidade de humanidade. Costantino Zicarelli, 'Até a luz nos levar VI', 2013. Grafite sobre papel. | Cortesia de imagem do artista e Silverlens.
Norberto Roldan
Fundador do Black Artists na Ásia - um grupo baseado nas Filipinas focado na prática artística social e politicamente progressista - e Green Papaya Art Projects, Norberto Roldan fala sobre questões sociais e políticas locais e questões culturais. Seu conjunto de textos, imagens e objetos encontrados considera a experiência vivida da vida cotidiana nas Filipinas, juntamente com a história do país complexo e a memória coletiva. Roldan enfatiza particularmente os objetos históricos e sua capacidade de reter significância depois de descartados e esquecidos, questionando se um objeto é inerentemente sentimental ou exclusivamente dotado de significado. Sua assembléia intitulada
Em Busca do Tempo Perdido 1/2/3/4 (2010) foi inspirada no apartamento de Hitler em Berlim, que era supostamente incongruente com a natureza do ditador megalomaníaco. A obra questiona as maneiras pelas quais os objetos refletem quem somos. O Início da História e Estratégias Fatais (2011) foi inspirado no ensaio de Jean Baudrillard intitulado O Fim da História e do Significado , em o filósofo argumenta que a globalização precipitou a dissolução da história e o colapso do progresso. Cada obra é uma coleção de objetos antigos exibidos em gabinetes, lembrando um passado que é fabricado por uma tentativa de criar um senso de ordem a partir de memórias esquecidas. Norberto Roldan, "O Sagrado é o Novo Profano 1", (diptych), 2010. Assemblage com objetos encontrados. 24 x 48 polegadas. | Cortesia de imagem do artista e Lightbombs Contemporary
Louie Cordero
As obras multimídia ricamente ornamentadas e muitas vezes grotescamente humorísticas de Louie Cordero mesclam as tradições indígenas, o catolicismo espanhol e a cultura pop americana para expressar uma longa história de tensão. Suas composições de cores vibrantes baseiam-se na estética dos filmes de terror de filmes b, heavy metal, quadrinhos, folclore e vida nas ruas, envolvendo-se em questões originadas do passado colonial do artista e da educação católica. Na Bienal de Cingapura de 2011, o Cordero apresentou uma instalação multimídia perturbadora intitulada
My We , inspirado pelos então recentes assassinatos de pessoas inocentes cantando My Way de Frank Sinatra em bares nas Filipinas. A instalação exibiu uma infinidade de figuras de fibra de vidro esfaqueadas em todo o corpo com partes do corpo quebradas. Ao fundo, uma videoinstalação projetou a canção fatal de Sinatra para criar uma estranha recriação dos eventos macabros. Rodel Tapaya
Tocando temas de memória e história, Rodel Tapaya tece a realidade contemporânea com narrativas folclóricas em um tableaux inspirado by folktales and history pré-colonial (2010) lhe rendeu o prêmio Signature Art de 2011. A pintura, exibida na 10ª Bienal de Gwangju em 2014 e agora abrigada na coleção Tiroche De Leon, apresenta imagens do folclore filipino, mesclando várias narrativas e diversas referências alegóricas, da figura canina central aos mitos de origem e outras criaturas. Tapaya adverte contra a ganância da humanidade e a destruição ambiental. Na mesma linha, Mountain Fantasies (2012) comenta sobre os perigos da mineração excessiva e a importância da preservação da natureza. A pintura atrai influências de lendas filipinas, como a bela deusa da floresta, Maria Makiling, que protege os bosques, e espíritos que nutrem mudas onde árvores antigas morreram. O trabalho de Tapaya serve como uma crítica da corrida da humanidade rumo ao progresso à custa do mundo que nos rodeia. Martha Atienza Nascida de uma mãe holandesa e de um pai filipino, Martha Atienza se mudou entre as Filipinas e a Holanda por toda a sua vida. a vida e seu background misto se refletem em seu trabalho em vídeo. Em algum lugar entre imaginação e compreensão, seu trabalho é um estudo sociológico de seu ambiente. Atienza está interessada em investigar o potencial da arte contemporânea como ferramenta para instituir a mudança social. Juntamente com Rodel Tapaya, ela foi uma das finalistas do Prêmio Soberano de Arte Asiática 2013/2014, onde apresentou seu trabalho
intermináveis horas no mar
. A videoinstalação é uma homenagem à história das viagens oceânicas, inspirada no passado de seu pai como capitão do mar. Com um vídeo em movimento do mar refratado através de um copo de água e acompanhado pelo som do oceano, este trabalho captura a ilusão de águas em movimento e sugere uma sensação de alucinação causada pelo isolamento de uma vida no mar.
(2010) lhe rendeu o prêmio Signature Art de 2011. A pintura, exibida na 10ª Bienal de Gwangju em 2014 e agora abrigada na coleção Tiroche De Leon, apresenta imagens do folclore filipino, mesclando várias narrativas e diversas referências alegóricas, da figura canina central aos mitos de origem e outras criaturas. Tapaya adverte contra a ganância da humanidade e a destruição ambiental. Na mesma linha, Mountain Fantasies (2012) comenta sobre os perigos da mineração excessiva e a importância da preservação da natureza. A pintura atrai influências de lendas filipinas, como a bela deusa da floresta, Maria Makiling, que protege os bosques, e espíritos que nutrem mudas onde árvores antigas morreram. O trabalho de Tapaya serve como uma crítica da corrida da humanidade rumo ao progresso à custa do mundo que nos rodeia. Martha Atienza Nascida de uma mãe holandesa e de um pai filipino, Martha Atienza se mudou entre as Filipinas e a Holanda por toda a sua vida. a vida e seu background misto se refletem em seu trabalho em vídeo. Em algum lugar entre imaginação e compreensão, seu trabalho é um estudo sociológico de seu ambiente. Atienza está interessada em investigar o potencial da arte contemporânea como ferramenta para instituir a mudança social. Juntamente com Rodel Tapaya, ela foi uma das finalistas do Prêmio Soberano de Arte Asiática 2013/2014, onde apresentou seu trabalho
intermináveis horas no mar
. A videoinstalação é uma homenagem à história das viagens oceânicas, inspirada no passado de seu pai como capitão do mar. Com um vídeo em movimento do mar refratado através de um copo de água e acompanhado pelo som do oceano, este trabalho captura a ilusão de águas em movimento e sugere uma sensação de alucinação causada pelo isolamento de uma vida no mar.
